Pero ¿cuál es la historia de esta misteriosa maison que, tras varias décadas de letargo, ha despertado para volver a poner de moda el surrealismo?

Tras las huellas de Elsa

Schiaparelli inicia su andadura en los años 20, fundada por la italiana Elsa Schiaparelli. Elsa nació en el palazzo Corsini en Roma en 1890, en una ilustre familia de nobles y académicos. Desde pequeña había mostrado una gran curiosidad intelectual y tendencias un tanto extravagantes. Cuando, tras un tormentoso matrimonio fallido en Londres, llega a París con su hija Gogo, su amiga Gabrièle Buffet-Picabia la introduce en el ambiente de los dadaístas (algunos de los cuales evolucionarían más tarde al surrealismo). Juntas frecuentaban el atelier del modisto Paul Poiret, y fue la creatividad del ambiente parisino (así como la necesidad económica) la que impulsó a Elsa a producir sus primeras prendas en 1927. Sus jerseys con trampantojos fueron un éxito inmediato y pusieron en marcha su inagotable imaginación y sentido comercial. En los años siguientes, Elsa se aprestó a crear más líneas de prendas de vestir, sombreros, fragancias, joyas…

Si bien las primeras colecciones son más bien clásicas, ya se adivina en ellas una forma de hacer moda que se resiste a amoldarse a los convencionalismos estéticos (no en vano se la compara con Miuccia Prada a menudo).

A pesar de que colaboró con artistas durante toda su carrera, desde los años 30 su nombre queda ligado para siempre al movimiento surrealista, debido a su amistad con Salvador Dalí, con quien trabajó en numerosos proyectos de la firma. Con él, la estética Schiaparelli adquirió matices oníricos, absurdos. El chic surrealista había llegado: el sombrero con forma de zapato, el vestido langosta, el estampado de papel de periódico, las gafas que rodean los ojos de unas enormes pestañas de celofán, joyas con forma de insectos gigantes…

Aparte de por llevar el surrealismo a la moda y conquistar a celebrities como Wallis Simpson o Mae West, Elsa también es recordada por introducir un color en particular, que ella bautizó como Shocking Pink y que hoy conocemos con otros nombres como fucsia o Hot Pink. Con él plantó cara a los sobrios looks en blanco y negro de Coco Chanel, su gran rival de entonces.

Durante la Segunda Guerra Mundial la firma continuó operando y al finalizar el conflicto exploró nuevas vías de negocio en Estados Unidos, a través de la venta de licencias para sus diseños de gafas o lencería. Sin embargo, fue el principio del fin: Elsa vio que su firma iba perdiendo terreno frente al empuje de otras marcas y del prêt-à-porter y en 1954 la maison cerraba sus puertas para siempre. O eso parecía…

Schiaparelli hoy

En el 2006, el empresario italiano Diego Della Valle compró a Arnaud de Lummen, el especialista en “Bellas Durmientes” del mundo de la Moda, todos los derechos sobre la marca Schiaparelli, desde sus archivos a toda la propiedad intelectual. En el 2012, compró también el mismo local en el que trabajó Elsa, el 21 de la Place Vendôme de París, y el negocio volvió a la vida. Como suele suceder, los primeros pasos del reboot Schiaparelli fueron un tanto vacilantes: varios directores creativos pasaron sin pena ni gloria hasta que el americano Daniel Roseberry llegó en el 2019 y dio con la fórmula del éxito. 

Las creaciones de Roseberry tienen un punto sexy y ochentero, que mira a Mugler, Gautier y Montana. Con él, el surrealismo se ha vuelto más solemne y barroco, más glamouroso y menos humorístico. El oro parece ser el hilo conductor de sus colecciones: oro en máscaras, corazas, pezoneras, joyas para el rostro, etc. Es un nuevo surrealismo, lujoso e inquietante, con múltiples referencias históricas y culturales y a menudo inspirado en la naturaleza (órganos humanos, dientes, insectos, huesos…)

Roseberry aporta un elemento propio al ADN de la marca. Como explicaba a Tim Blanks en el podcast de Business of Fashion, él no quiere limitarse a reinterpretar una y otra vez los códigos visuales de Schiaparelli sino que, antes de diseñar, se pregunta, ¿qué haría Elsa hoy? Adaptarse al sistema de trabajo de la Alta Costura no fue fácil, dice, pero ha aprendido a amar este modelo de negocio. Su último desfile ha confirmado el éxito del Schiaparelli del siglo XXI: más escultural, más bañado en oro, más Daliniano, más Haute Couture que nunca. Roseberry era este lunes el rey de París y su Schiaparelli mira al futuro con confianza. Este año la firma lanza su primera colección de prêt-à-porter y planea expandir sus canales de venta. Veremos si consiguen que el surrealismo llegue a las calles.

Para saber más:

1. Schiaparelli, donde se puede consultar una cronología con la historia de la firma, sus creaciones más importantes y los artistas que trabajaron con ella.
2. Shocking Life, la autobiografía de Elsa Schiaparelli
3. BoF podcast: Daniel Roseberry sobre el desafío Schiaparelli.
4. Dressed podcast, The History of Fashion: Elsa Schiaparelli.

Imagen: @schiaparelli

Ailanto 

Para la próxima temporada PV los gemelos Aitor e Iñaki Muñoz proponen una colección que, como viene siendo habitual en ellos, bebe de los movimientos artísticos de finales del siglo XIX,  en esta ocasión de la pintura de Van Gogh. La presentación giró en torno a una de las obras más recordadas del pintor holandés, los girasoles, cuya luminosa paleta ha inspirado los estampados y las tonalidades de esta colección. Vestidos románticos y fluidos acompañados de joyas de Suma Cruz diseñadas para la ocasión, junto con una puesta en escena campestre y relajada y las palabras de Espido Freire como hilo conductor de la presentación.

Jorge Vázquez

El diseñador celebra sus 20 años en el mundo de la moda a lo grande: con su marca epónima y su nombramiento en 2020 como director artístico de Pertegaz, Vázquez se erige como uno de los pesos pesados de la moda española y su desfile/desayuno en el Mandarin Oriental Ritz de Madrid quiso dejarlo bien claro. Ante un selecto público de clientas, socialites e influencers, las modelos presentaron una colección femenina y afrancesada, con referencias a diferentes décadas y siluetas más bien clásicas pero con toques osados, como las siempre controvertidas mallas de ciclista en algunos looks. Un despliegue de elegancia old school con guiños a la modernidad.

Duyos

Un jardín flotante es el nombre de la colección con la que Juan Duyos vuelve a la MBFW después de la pandemia, un canto al joie de vivre, a las vacaciones y al buen tiempo, con la isla de Madeira como escenario e inspiración. Una paleta de colores diversa y rica, con múltiples estampados que se mezclan en unas siluetas pensadas para realzar las formas femeninas: cinturas marcadas, faldas voluminosas, volantes, mangas dramáticas bajo hombros desnudos… Complementos poderosos como sombreros y bolsos elaborados con técnicas tradicionales y un maquillaje y peinado sencillo y favorecedor completaron el show, que recreaba un mercado tradicional de la isla.

Teresa Helbig

De Madeira a los Ángeles. La diseñadora barcelonesa celebra un cuarto siglo en la moda con una colección vivaz y colorista, inspirada en el Los Ángeles cinematográfico de los años 70: piensa en El Valle de las Muñecas, Once upon a time in Hollywood, Sharon Tate… chorreras y fruncidos, minifaldas y monos sexys pero cómodos, gafas XXL y melenas al viento. Un homenaje al sexy de los 70, alegre y despreocupado.

Hannibal Laguna

Nadie en la MBFW se toma el glamour tan en serio como Hannibal Laguna. En esta ocasión presentó Cosmology, una colección donde el negro es el color principal salpicado con looks en plata y una nota de rojo.  Los vaporosos modelos, un despliegue de transparencias, bordados, volantes y volúmenes dramáticos fluían entre esculturas diseñadas por el propio Laguna colocadas sobre la pasarela. Las modelos lucían impecables melenas semirrecogidas, un maquillaje de noche a la altura de la ocasión y, algunas,  gafas de sol negras a lo Anita Ekberg en la Dolce Vita, un toque canalla y desenfadado entre tanto glamour.

404 Studio

Mención especial merece 404 Studio, cuya directora creativa, Anaïs Vauxcelles, se alzó con el premio Mercedes Benz Fashion Talent de esta edición. La diseñadora presentó una colección inspirada en la estética del film francés de animación “La planeta sauvage” (Rene Laloux, 1973). Prendas de punto diferentes y reveladoras y unos estilismos coloristas y posmodernos, no apto para el público más convencional.

Imágenes: Fashion Week Hola, Ailanto y Suma Cruz, Colección “La Planète Sauvage” de Anaïs Vauxcelles para 404 Studio. Mercedes-Benz Fashion Talent.

La respuesta a la crisis por parte de Condé Nast, el grupo editorial propietario de Vogue, ha sido poner en marcha un severo plan de recortes diseñado por su CEO, Roger Lynch. Según el artículo de BOF What’s Behind Vogue’s Editor-in-Chief Exodus?, escrito por Chantal Fernandez, según este plan se destinará el 10% de los ingresos a tecnología y contenidos que mejoren las suscripciones digitales y el e-commerce. Desarrollar material para cine y televisión y reducir los costes de producción de la revista en papel serán otras prioridades. Si bien Lynch cuenta con acabar el 2021 con pérdidas, espera volver a los beneficios en el 2022.

Los ciclos de Vogue

No es la primera vez que Vogue pierde el paso con la actualidad, pero siempre ha sabido reinventarse a tiempo para conservar su status de brújula de la moda, y todo apunta a que esta vez no será diferente. El primero de estos “saltos evolutivos” se produjo cuando Vogue, que nació como un periódico semanal editado por el empresario neoyorquino Arthur Baldwin Turnure, fue adquirida por Condé Montrose Nast en 1905. Desde ese momento, pasó de ser una publicación dirigida a hombres y mujeres  inspirada por el estilo de vida de las élites de la Gilded Age, a centrarse en un público femenino particularmente atento a los vaivenes de la moda.

Desde entonces y a través de la visión de cada uno de sus editores en jefe (editoras en su mayoría, de hecho), Vogue ha acompañado a las mujeres del siglo XX, primero con su edición norteamericana y, a partir de los años 30, con su progresiva expansión global. Cuando se imponía un cambio de tendencia o la competencia robaba demasiadas ventas, un nuevo editor traía el necesario soplo de aire fresco: en el caso de Vogue America las editoras más célebres han sido Jessica Daves, que guió a las norteamericanas durante los años dorados de expansión económica en los 50, la extravagante y carismática Diana Vreeland en los 60 y la más reivindicativa y feminista, Grace Mirabella, en los 70. Y, tras el declive de esta última, llegó la era de Anna Wintour, al frente de la revista desde 1988.

Los nuevos tiempos

La digitalización e Internet, sin embargo, han sido un desafío al que sólo Wintour ha tenido que enfrentarse. En el mundo editorial, como en la naturaleza, no sobrevive necesariamente el más fuerte, si no el que mejor se adapta a las condiciones del medio, y ese es el objetivo Roger Lynch para todas las publicaciones de Condé Nast. La transformación de la “marca” Vogue pasa por priorizar el contenido online por encima del papel. No es casualidad que Wintour haya elegido a la super blogger Margaret Zhang, de 27 años y sin ninguna experiencia editorial previa, para sustituir a Angelica Cheung, quien fuera editora en jefe de Vogue China durante más de 15 años. Este nombramiento dice mucho de cuáles son las actuales prioridades de Vogue.

La consecuencia más inmediata del plan Lynch ha sido una oleada de despidos, jubilaciones forzadas y dimisiones que ya se ha llevado por delante a los editores en jefe Emmanuelle Alt (Vogue Paris), Priya Tanna (Vogue India), Christiane Arp (Vogue Alemania), Eugenia de la Torriente (Vogue España), Emanuele Farneti (Vogue Italia) y la ya mencionada Angelica Cheung, entre otros altos cargos. Aunque no sólo han caído los directivos: como informaba Triana Alonso en su artículo para Fashion Network Lo que los ERE de Condé Nast y Hearst España dicen del futuro de la prensa de moda en España, Condé Nast planteó en el 2021 un ERE sobre todas sus cabeceras españolas, que afecta a 49 trabajadores, una cuarta parte de la plantilla. Movimientos similares se han dado también en Europa y Estados Unidos.

El telón de fondo de esta metamorfosis es la fusión entre Condé Nast US y Condé Nast International, anunciado en el 2018, para formar una sola compañía de alcance global. Dicha fusión se ha traducido en una llamativa concentración de poder en las manos de los directivos radicados en Nueva York, especialmente Anna Wintour, que ahora suma los cargos de Directora Editorial Global y Directora de Contenidos a su rol en Vogue America. A nivel europeo, Edward Enninful, editor en jefe de Vogue UK desde 2018, es ahora también Director Editorial para Europa, supervisando las ediciones italiana, francesa, alemana y española de la revista, que, según parece, seguirán funcionando sin directores propios.

Con ello se pretende unificar una parte del contenido de todas las ediciones de Vogue, superando la tradicional competitividad entre ellas y rentabilizando más los presupuestos dedicados a crear contenido editorial. La contrapartida, sin embargo, será una cierta pérdida del “sabor” propio de cada una de las cabeceras, un problema al que Emanuele Farneti aludía veladamente en su mensaje de despedida como editor en jefe de Vogue Italia hace escasos días: “Creo que hemos honrado la tradición de innovación y libertad que subraya la grandeza de esta revista.”, decía. “Este atributo es lo que convirtió a Vogue Italia en la voz de una industria que le da crédito a Italia en todo el mundo. Italia es una cultura que merece respeto y ser representada por lo que es: la cultura a partir de la cual se conciben muchas de las ideas más influyentes de la moda y a través de la cual se produce la mejor calidad de la artesanía”.

No todas las ediciones de Vogue sufrirán estos cambios, sin embargo. Condé Nast es propietario y gestiona su publicación en Estados Unidos, Francia, España, Alemania, India, Italia, Japón, México y América Latina, Taiwan y Reino Unido. En China opera a través de acuerdos de copyright y el resto de sus ediciones internacionales (Vogue Polonia, Vogue Grecia, Vogue Singapur, Vogue Korea, etc.) funcionan a través de licencias con editoriales locales por lo que no se verán afectadas por la reestructuración.

Vogue UK, la gran esperanza de Condé Nast

Para colmo de males, Condé Nast también tuvo que hacer frente en el 2020 a numerosas acusaciones de racismo, acoso laboral y desigualdad de trato en algunas de sus publicaciones, Vogue entre ellas. Wintour reconoció su parte de responsabilidad al respecto en un comunicado interno y, a pesar de los rumores de despido, logró conservar la confianza del grupo. Tras el escándalo, en junio del año pasado Lynch  le dedicaba las siguientes palabras en una reunión de personal: “Hay muy pocas personas en el mundo que puedan influir en el cambio y la cultura de las actividades de nuestro negocio como Anna” dijo. “La razón por la que está aquí es porque puede ayudar a influir en el cambio que necesitamos hacer y sé que está comprometida a ello.”

El “nuevo” Vogue, del cual la edición británica capitaneada por Edward Enninful es el mejor ejemplo, no quiere ser sólo una publicación femenina centrada en moda y belleza que gire la cara ante los problemas sociales. Como decía Vanessa Kingori, directora comercial de Vogue UK y Condé Nast Britain Style Division en un reciente podcast para BOF, se trata de expandir las vías de ingresos pero también expandir el mensaje y el propósito de la revista, que es abogar por la inclusividad y la justicia social. Así, ofreciendo nuevas formas de hacer publicidad, mejorando su estrategia digital y asesorando a las marcas sobre cómo abordar la responsabilidad social, el racismo en la industria y otros temas sensibles de una forma honesta y efectiva, se ha logrado un “crecimiento económico sin precedentes” para Vogue UK, que en la primera mitad del año aumentó un 75% sus ingresos digitales, consolidando una tendencia alcista que comenzó el año pasado. 

Paradójicamente para Vogue UK, mejorar la estrategia digital ha disparado las ventas de la revista impresa, lo que a su vez ha propulsado aun más los canales online creando así un círculo virtuoso. Valga como ejemplo el tremendo éxito del número del pasado junio, con Billie Eilish en portada. Las fotos de la entrevista de la cantante batieron récords en Instagram mientras que todos los puntos de venta se quedaron rápidamente sin ejemplares. “Las copias se agotaron en los kioscos tantas veces que tuvimos que tirar de los ejemplares de la oficina y los que solemos regalar para tratar de abastecer a los comercios.” decía Kingori. “Para mí no hay marketing digital más efectivo que ese. Nuestra revista impresa es nuestra mejor herramienta de marketing y nuestras plataformas en redes sociales nuestros mejores agentes.” Sólo el tiempo dirá si la fórmula del éxito de Vogue UK puede replicarse en el resto del mundo y cómo concluye este turbulento capítulo de la ya centenaria historia de Vogue.

Imagen: condenast.com

La historia de la maison comienza con Jeanne Lanvin, su fundadora (París,1867- París, 1946). Según Lanvin, Jeanne fue la mayor de once hermanos, y desde muy pronto hizo gala de una gran independencia y fortaleza de carácter. Con trece años empezó a trabajar  en una sombrerería del Faubourg Saint-Honoré como chica de los recados y gracias a su determinación pronto se convirtió en aprendiz. Propulsada por su talento y creatividad, a los veintidós años abría su propio taller de sombreros con gran éxito.

En 1897, fruto de su primer matrimonio, nacía su hija Marguerite, el gran amor de su vida. Gracias a ella, la marca había de tomar un nuevo rumbo: Jeanne se complacía en diseñar las prendas más bellas y sofisticadas para su pequeña y estas atrajeron la atención de sus clientas. Así comenzó la trayectoria de Lanvin en la moda, diseñando ropa infantil inspirada por Marguerite. De ahí pasó a crear conjuntos coordinados para madres e hijas y, finalmente, a la alta costura. El vínculo entre Jeanne y Marguerite ha quedado reflejado para siempre en el emblema de la casa, un dibujo de Paul Iribe titulado “La mère et l’enfant”, basado en una fotografía de ambas en un baile de disfraces (ver galería de imágenes).

En las décadas siguientes Jeanne Lanvin fue afianzando y ampliando su imperio: prendas deportivas, línea de caballero, pieles, perfumes, hogar, etc. hasta su muerte en 1946. Las claves del estilo Lanvin que han llegado a nuestros días son esta especialización en moda infantil, la maestría en el uso del color y los ornamentos (bordados, cintas, perlas, cristales…); el llamado azul Lanvin (inspirado, parece ser, por las obras de Fra Angelico) y una silueta particular, el robe de style, que la firma popularizó en los años 20.

Tras la muerte de Jeanne Lanvin, la firma continuó su marcha bajo la dirección de su hija y, más tarde, de otros miembros de la familia. A pesar de contar con grandes diseñadores como el español Antonio del Castillo en los años 50 y Claude Montana en los 90, su brillo iba extinguiéndose poco a poco.

En el 2001 la marca fue adquirida por el grupo inversor Harmonie S.A. dirigido por Shaw-Lan Wang, una millonaria taiwanesa. Alber Elbaz fue nombrado director artístico global de Lanvin y con él la firma resurgió de sus cenizas. Según el artículo de BOF Can anyone save Lanvin now?, Elbaz se las arregló para convertir Lanvin en una marca estrella conocida por sus valores femeninos y sus impecables vestidos de cocktail. “No sólo fue un maestro en el diseño sino que ademas aportó un raro sentido de la gestión del negocio y grandes aptitudes para construir equipo”. Además, la línea masculina, bajo la dirección de Lucas Ossendrijver desde el 2005 al 2018, proporcionó buenos resultados y alguno éxitos muy sonados como las Urban Sneakers con puntera de charol o el nombramiento de Lanvin como sastre de cabecera del Arsenal F.C.

A raíz de una serie de desavenencias con Shaw-Lan Wang, Elbaz abandonó Lanvin en el 2015. Le sucedió, primero, Bouchra Jarrar y después Oliver Lapidus,  cada uno más breve que el anterior y nombrados por Wang unilateralmente. Ambos consolidaron el declive de resultados que ya se vislumbraba en la etapa final de Elbaz. Finalmente, en el 2018, Wang vendía el 80% de un Lanvin en serios apuros al conglomerado chino Fosun, quien se aprestó a nombrar un CEO de la cantera LVMH e inició la búsqueda de un director creativo global que relanzara la marca una vez más.

El elegido fue Bruno Sialelli, un joven diseñador francés curtido a las órdenes de Jonathan Anderson en Loewe, en donde era responsable del RTW masculino. Desde su llegada en el 2019 sus colecciones han tenido una buena acogida por parte de la crítica; si bien en sus comienzos se le reprochó estar demasiado influido por el espíritu de Loewe, ha evolucionado gradualmente a un estilo más femenino y en línea con el savoir-faire de la casa. Las ventas parecen respaldar su trabajo, aunque el Lanvin de hoy está a años luz de aquel que amasó 235 millones de euros en ingresos en el 2012 bajo la batuta de Elbaz. Sialelli, no obstante, parece tener un fino olfato para combinar el ADN de Lanvin con la estética y las referencias culturales que seducen al consumidor de hoy. Se ha propuesto reforzar la línea de accesorios, imprescindible para plantar batalla en el mercado del lujo actual y ha recuperado un estampado con las iniciales JL creado en los 70 por Jules-François Crahay, en un discreto giro hacia la logomania imperante. Después de unos años oscuros el futuro parece prometedor  para Lanvin pero sólo el tiempo dirá si la estrategia de Sialelli da resultado o no.
Imagen: @lanvinofficial

Jeanne Lanvin, "Madame", como la llamaban sus empleados, en su despacho de París con una modelo. Jeanne Lanvin and a mannequin, 1935 - © New York Times/Rea Imagen: lanvin.com

Marguerite di Pietro y Jeanne Lanvin; el logo que Iribe diseñó. Foto: (izquierda) © Lanvin Heritage; Mary Evans / Jazz Age Club Collection/Everett Collection Imagen: vogue.com

Uno de los looks coordinados para madres e hijas que hicieron célebre a Lanvin. "La Fête est Finie - Robe d'organdi et robe de petite fille, de Jeanne Lanvin," plate 30 from Gazette du Bon Ton, Volume 1, No. 4 Museum of Fine Arts, Boston.

Vestido de noche, Lanvin, SS1923. Metropolitan Museum of Art, New York.

Vestido "Cyclone". Lanvin, 1939. Metropolitan Museum, New York.

Uno de los looks de Alber Elbaz para el desfile de Primavera 2012. Imagen:vogue.com

Otra creación de Elbaz. Lanvin, Resort 2014. Imagen: vogue.com

Uno de los looks de Sialelli para Lanvin SS 2020, aun con cierto regusto a Loewe. Image: vogue.com

En el desfile SS WRTW 2021 Sialelli parece haber encontrado ya su propia voz, actualizando sabiamente las claves del estilo Lanvin: silueta robe de style, bordados, femininidad. Image: vogue.com

En un espectacular desfile presentado en la línea de montaje de la fábrica Ferrari en Maranello (Módena), el diseñador Rocco Iannone mostró una colección pensada para seducir a un público joven y amante del lujo más contemporáneo. Cincuenta y dos looks  cubiertos de logos cuyo propósito es actualizar los códigos visuales de la marca de una forma sosegada y comercial. El calzado y los accesorios los firman Puma y Ray-ban.

Según la reseña de Luke Leitch para Vogue Runway, el objetivo de Iannone, un diseñador formado en las filas de Dolce & Gabbana y Giorgio Armani, es “ampliar el número de fans de la marca, incluyendo las generaciones más jóvenes y las mujeres”.

Esta nueva aventura de Ferrari forma parte de una ambiciosa política de expansión de la firma a nuevos mercados y consumidores. Otro ejemplo en este sentido es Cavallino, el restaurante que originariamente fuera cantina del personal de la fábrica de Maranello, y que a día de hoy funciona bajo la dirección del chef Massimo Bottura. Como declaró Nicola Boari, jefe de diversificación de marca de Ferrari “el propósito es construir un puente para una audiencia más amplia”, un enfoque habitual entre las grandes maisons de moda. 

No es la primera vez que Ferrari y la F1 han inspirado la moda. La primera colección de Iannone para Ferrari ofrece interesantes paralelismos y contrastes con la de Ralph Lauren FW 2017, que se presentó en el garaje de Bedford Mills (NY) que alberga la espectacular colección de coches del diseñador norteamericano. Mientras que Ralph Lauren creó entonces una colección de espíritu deportivo pero fiel a sus principios de glamour clásico, Rocco Iannone ha puesto a la generación Z y sus valores en su punto de mira: prendas unisex y una gama de tallas inclusiva (de la XXXS a la XXXL). No obstante, los leitmotivs de toda colección inspirada en el mundo del motor parecen ser los mismos: paletas de colores sencillas pero potentes, acabados metálicos, tejidos innovadores e inspiración técnica.

Para saber más:

• Reseña del show escrita por Luke Leitch para Vogue Runway con todos los looks
• El vídeo del desfile, con una impactante instalación en la cadena de montaje de la fábrica de Maranello que deleitará a los amantes de la marca.
• Cavallino, la alianza gastronómica de Ferrari y Massimo Bottura

Imagen: ferrari.com

“¿Tenía realmente conciencia de la revolución que iba a provocar en el vestir? De ninguna manera. Un mundo acababa, otro iba a nacer. Me encontraba allí; se me ofreció una oportunidad, la cogí. (…) Hacía falta sencillez, comodidad, claridad: sin saberlo, yo ofrecía todo aquello.

-Gabrielle Chanel

En este artículo exploramos “El Aire de Chanel” (Fábula Tusquets Editores, 1999), de Paul Morand. Se trata de un libro curioso y revelador en el que Gabrielle Chanel cuenta su propia historia, tal vez no la historia real, si no la que ella quiere que se sepa. Es una obra muy alejada del universo actual de la maison francesa. Para cualquier amante de la leyenda de Gabrielle Chanel que la marca homónima reelabora y vende con maestría desde su muerte en 1976 este libro supondrá un impacto inicial considerable. Escrito en primera persona, nos muestra a la mujer detrás del mito, con sus luces y sus sombras. 

“El Aire de Chanel” es fruto de una serie de entrevistas que el autor mantuvo con Gabrielle “Coco” Chanel en Suiza en 1946. Era un momento un tanto bajo en la vida de ella, la Segunda Guerra Mundial había acabado y en París se la acusaba de colaboracionista con los nazis durante la ocupación. En estas conversaciones, se explaya, se desquita sobre su leyenda, su mundo y sus amigos. A veces sincera, otras maligna, con mal encubierta vanidad, autocompasión y dramatismo, Mademoiselle Chanel repasa su vida en un ejercicio de catarsis del que Paul Morand es un simple cronista.

“Aquella voz torrencial, que se precipitaba como lava, aquellas frases que crepitaban como sarmientos secos, sus réplicas, siempre jugando con el tira y afloja, un tono cada vez más perentorio a medida que la edad la iba ablandando, un tono cada vez más respondón, cada vez más terminante; durante noches enteras tuve que oír condenas inapelables en aquel hotel de Saint-Moritz donde me la encontré, durante el invierno de 1946, inactiva, por primera vez sin arreglar, mordiéndose los labios. Se había exiliado de forma voluntaria a Egandine, dudando en volver a la Rue Cambon, a la espera de un golpe de suerte. Se sentía atrapada por el pasado (…), Verdurin de una edad que la cogía por sorpresa, la época de De Gaulle; la bilis se le salía por los ojos siempre brillantes, bajo el arco de las cejas cada vez más marcado por el lápiz, como arcos de basalto; Chanel, el volcán de Auvernia que París equivocadamente creía apagado”.

Morand, aun siendo amigo suyo (o, tal vez, por ello) elige no maquillar el carácter amargo y amargado que delatan las palabras de Mademoiselle. Salta a la vista, que, como a todo el mundo, a Chanel le atormentaba lo que la gente pensara de ella. Cuando cree que le conviene, omite o pasa de puntillas sobre determinados temas. Niega, por ejemplo, dos hechos de su vida que forman parte de su leyenda: que se crió en un orfanato y que fue cantante en un cabaret. En su lugar, describe con gran detalle su infancia en Auvernia con sus tías, quienes la criaron cuando su madre murió y su padre emigró a América, y de ahí pasa directamente a sus primeros romances.

No es que importe ya determinar qué ocurrió en realidad y qué no. Lo interesante aquí es comparar a la Gabrielle Chanel de este libro, autobiográfico en su intención, con la otra Gabrielle, esa figura idealizada que hasta el día de hoy sigue inspirando todos los productos de la marca, desde la Alta Costura hasta las joyas y el maquillaje. Digan lo que digan hoy en Chanel, la mujer que aquí habla es lectora pero no particularmente cultivada, desde luego no es feminista y poco parecen importarle los derechos de la mujer. Fue, sencillamente, una mujer de su tiempo, pero dura, independiente y con talento. Su tan cacareada rebelión contra el corsé no fue tanto una cruzada feminista como la revancha de la pobre campesina auvernesa, esbelta y fortalecida por el trabajo, contra las señoras ociosas y rollizas, que disimulaban sus excesos en la mesa embutiéndose en un corsé. Con el cambio de siglo y de tendencias ella les hizo pagar sus privilegios: les quitó el corsé para que comieran menos y adelgazasen, las vistió con tejidos humildes, de negro, sin ornamentos y, para colmo, les cobró una fortuna por ello. 

Tal vez por todo esto, en Chanel se utiliza este libro con precaución y no se saca mucho a relucir: demasiados sentimientos encontrados, demasiadas frases políticamente incorrectas. Y sin embargo, es más inspirador y auténtico que todas las campañas publicitarias recientes de la marca. Es alentador ver que para cambiar el mundo no es necesario ser una heroína de novela con aureola de santa. Todas las mujeres, en cambio, nos identificarnos en algún momento con esta Coco Chanel:  unas veces buena y otras no tanto, inteligente y mezquina a un tiempo, primero joven y luego vieja. Una mujer siempre en lucha contra sus demonios y siempre yendo hacia adelante. Una mujer de verdad.

Para saber más: El Aire de Chanel, (Paul Morand, 1976)

Imagen: Robert Doisneau, 1953.